Essere bravi non basta: se vuoi vivere di danza devi avere già i soldi

C’è una frase che circola nel mondo della danza come un mantra rassicurante:
“Se hai talento e lavori sodo, ce la farai”.

È un’idea romantica, bellissima, che nutre i sogni di migliaia di allievi nelle sale di tutta Italia. Ma oggi, da ballerina e insegnante che vive quotidianamente le dinamiche di questo settore, sento il bisogno di rompere questo incantesimo con una dose di nuda realtà.

La verità è che nel panorama culturale italiano attuale, essere bravi è solo la condizione minima di partenza. Per restare a galla senza affogare nella precarietà, serve qualcosa che non si impara alla sbarra: una base economica solida alle spalle.

Quando qualche tempo fa pubblicai un contenuto sui social intitolato: “Essere bravi non basta”… venni accusata di scoraggiare i giovani.

Qualcuno citò l’esistenza delle compagnie stabili di danza contemporanea come prova che vivere di sola danza è possibile per chiunque studi. Eppure, i dati parlano chiaro: in Italia, i corpi di ballo stabili negli Enti Lirico-Sinfonici sono ridotti all’osso, ne sono rimasti appena cinque in tutto il Paese.

Le restanti compagnie vivono di sovvenzioni pubbliche frammentate che spesso non garantiscono una continuità contrattuale dignitosa per dodici mesi l’anno. In questo contesto, il talento diventa un fattore secondario rispetto alla capacità di “resistere” economicamente.

Il privilegio della stabilità

Dobbiamo avere il coraggio di dirlo: poter lavorare nel mondo dell’arte oggi è diventato, in molti casi, un privilegio di classe.
I dati ISTAT e le indagini sul welfare dei lavoratori dello spettacolo dipingono un quadro impietoso: redditi medi che spesso oscillano sotto la soglia di povertà relativa e una pressione fiscale che, per chi opera in Partita IVA forfettaria, non sconta nulla.
Alla luce di ciò il sostegno delle famiglie d’origine non è più un aiuto extra, ma l’unico vero ammortizzatore sociale esistente.

Io stessa posso permettermi di insegnare e ballare con lucidità perché non ho l’ansia di essere sfrattata se un mese è “di magra”.
Avere una casa di proprietà o una famiglia che possa coprire una bolletta nei momenti di fermo non mi rende più brava degli altri, mi rende solo più libera.

Mi permette di rifiutare quei “contratti” da 50 euro a replica che sono un insulto alla nostra professionalità, ma che molti colleghi sono costretti ad accettare pur di sopravvivere.

Chi non ha questa rete di sicurezza spesso finisce per fare una scelta dolorosa ma necessaria: abbandonare la professione per cui ha studiato anni per rifugiarsi in un lavoro stabile, continuando a fare arte nel tempo libero.

Quindi studiare arte è inutile?

Sono quasi sicura che questa domanda abbia fatto capolino nella testa di chi mi sta leggendo.

Assolutamente no, studiare arte non è MAI inutile!
Pensiero critico, disciplina, abnegazione, dedizione, plasticità neuronale, creatività, libertà mentale, identità, spirito di gruppo, salute fisica (per quanto riguarda arti che coinvolgono il corpo) e mentale, sono solo alcuni dei benefici che comporta.

A prescindere se ne facciamo un lavoro o meno non è mai inutile o da abbandonare. In questo articolo si fanno considerazioni prettamente riguardo il mondo del lavoro e non se sia giusto o meno che chiunque studi arte diventi professionista nel campo (impossibile).

In un tessuto sociale sano è bene che ci sia equilibrio tra arte retribuita e arte fatta solo per passione/hobby, equilibrio che sta venendo a mancare.

Verso il neo-feudalesimo culturale

Ma se permettiamo che l’arte sia accessibile solo a chi ha le spalle coperte, stiamo creando a tutti gli effetti un “neofeudalesimo culturale”.

Se solo i ricchi o i protetti possono permettersi di studiare ad alti livelli e di attendere l’occasione giusta, l’arte smette di essere la voce della società per diventare il monologo di un’unica classe.
L’arte perderebbe la sua funzione critica, la sua capacità di essere ribelle e di raccontare, anche, le periferie del mondo, perché chi vive in quelle periferie non ha il tempo né i soldi per dedicarsi a essa professionalmente.

Molti sostengono che l’arte debba stare fuori dalle logiche del capitalismo.
È un pensiero nobile, ma nasconde un’insidia: produrre arte richiede tempo e il tempo ha un costo. Se l’arte non viene pagata dignitosamente dal mercato o dallo Stato, diventa automaticamente uno “sfizio” per chi può permetterselo.

Si finisce così per creare una spaccatura: da una parte un’arte professionale “di elite”, spesso chiusa in logiche settarie dove si entra per conoscenze e networking esclusivo; dall’altra un’arte libera e autentica, ma prodotta nel dopolavoro, che rischia di perdere la maestria tecnica che solo la dedizione, quasi, totale può dare.

Tra Stato e mercato: la ricerca di una terza via

Nel corso della mia carriera, si è ripetuto uno schema interessante.
Spesso ho trovato molta più dignità economica e libertà ballando per eventi privati di persone benestanti che non all’interno di circuiti istituzionali o compagnie sovvenzionate.

Nel privato, la transazione è chiara: offro qualcosa e se piace vengo ingaggiata e pagata prontamente il prezzo che io decido. Nelle compagnie, invece, spesso si accetta lo sfruttamento in nome del “prestigio”, alimentando un sistema in cui pochi eletti decidono chi merita di stare sul palco in base a criteri non sempre trasparenti.

Certo, se ci affidassimo solo ai ricchi mecenati torneremmo indietro di secoli, trasformando l’artista in un ornamento di lusso.
D’altro canto, affidarsi solo allo Stato comporta il rischio di una politicizzazione della cultura, dove le sovvenzioni seguono il vento dei governi di turno.

In Italia, a differenza di altri Paesi, dove esiste l’indennità di intermittenza che protegge gli artisti nei periodi di pausa, siamo ancora lontani da una soluzione che garantisca una reale democrazia del talento.

Conclusione: un atto di onestà

Insegnare oggi danza a livello professionale significa anche preparare gli allievi a questa realtà. Non possiamo continuare a vendere sogni senza spiegare come si pagano le bollette.

Affermare che “essere bravi non basta” non è un atto di disfattismo, ma una denuncia politica necessaria. È un invito a lottare per un sistema dove il reddito dell’artista sia tutelato, affinché la danza non torni a essere solo un passatempo per nobili, ma rimanga un mestiere possibile per chiunque abbia talento, a prescindere dal proprio estratto conto.

Finché questo cambiamento non avverrà, noi che abbiamo la fortuna di avere una base sicura abbiamo il dovere morale di usare questa nostra libertà per dire la verità, per fare rete e per pretendere che il lavoro culturale venga riconosciuto per quello che è: un pilastro della società che merita rispetto, tutele e, soprattutto, una paga che permetta di vivere con dignità.

Solo così l’arte potrà tornare a essere libera, critica e, finalmente, di tutti.

Fonti

Infografiche Istat 2025
Indagine Danza Error System sui corpi di ballo delle Fondazioni Lirico Sinfoniche
Indagine Arti Brune su lavoro artistico e salute mentale